【側記】鐵電熱映｜《狂野時代》畢贛
日期｜2026.02.08（日）18:00
映後座談｜畢贛
側記撰寫｜簡盈瑄 攝影｜林炘潔
「就是想拍一個關於一個世紀的故事。」
從這個簡單想法出發，逐步思考如何切割結構、組織世界觀。然而，當時間跨度被拉長至百年，必須透過特別的結構切割與重組來進行壓縮。談及自身作品的觀看方式，導演以薩爾達遊戲作為比喻，形容電影更接近一種「開放世界」的體驗。他提到，電影中的主線肯定是經過精心設計，但那並非最重要的部分。
「你可以花二十分鐘去抓魚，不一定要完成主線任務。」
觀眾不必執著於理解完整敘事，而可以沉浸於片段、氛圍與感受之中。導演強調很多東西是需要耐心、時間累積出來的。這樣的觀影方式仰賴觀眾投入大量的時間與注意力，而這本身也是雙向的選擇與連結。當觀眾能夠專注其中，便可能從中獲得細膩而持續的回饋。他坦言，在當代生活節奏之下，長時間專注於單一事物已逐漸成為一種「奢侈」。因此，他非常感謝願意停留下來觀看電影、並參與映後交流的觀眾。
｜觀看之外的探索：讓觀眾成為主體
主持人好奇提問，為何導演在創作中，總讓電影不完全依循主線推進，而是需要觀眾花更多時間去感受與沉浸，甚至主動去「探索」？
導演回應，其實原因很簡單，因為他認為生活本來就是如此。
人在日常中，並不是一直朝著某個明確目標前進，而是不斷在過程裡尋找樂趣與意義。他進一步表示，電影這種藝術形式，往往容易被整理成一個清楚的結果，但這樣的方式，有時也會讓觀眾失去主動探索的空間。因此在創作時，他更傾向保留開放性，讓觀眾不只是「接收故事」，而是能從中發展出自己的感受與理解。對他而言，這樣的觀看方式確實需要投入更多時間與注意力，但也正因如此，觀影才會成為一種更深刻、屬於個人的經驗。
｜音樂與記憶：情感的共同維度
有觀眾分享，自己在觀看《路邊野餐》時，發現片中多次出現李泰祥的〈告別〉這首歌曲，而他的母親很喜歡這首歌，因此好奇導演在使用這首歌時的感受與意義。
導演回應，他本身也喜歡這首歌曲，並認為流行音樂在電影中的功能，不僅是背景聲音，更是一種能喚起集體記憶與情感的媒介。音樂在電影中如同場景的一部分，與畫面共同構成完整的感知空間。如同遊戲中的環境音，會在不知不覺中提示觀眾所處的情境與氛圍。「那是一種在同一個維度上的感受」，儘管每個人想起的具體過往不同，但被觸動的情緒卻是相通的。
同一位觀眾也提到，雖然未必完全理解《狂野時代》的內容，但在觀影過程中依然深受吸引，並且真切地喜歡這部作品。對此，導演表示，若觀眾在「不完全理解」的情況下，仍然能夠喜歡一部電影，反而是一種非常珍貴的觀影經驗。他坦言，自己在觀看許多電影時，也經常無法完全掌握其背景或深層意涵，但這並不影響觀看本身的感受。在他看來，觀眾或許能理解故事與人物關係，卻未必能立即釐清所有意義，而正是在這樣的狀態下，仍願意投入並產生喜愛，才構成了電影最迷人的部分。
另有觀眾對「邰肇玫」這個名字其背後的意涵感到好奇。導演回應，「邰肇玫」其實早在先前作品中出現。他作品中的角色名字往往與真實人物相關，到了《狂野時代》，再次使用「邰肇玫」這個名字，某種程度上也是一種直覺的選擇，以及他對該人物及其作品的長期喜愛，這一名字也逐漸在他的電影中轉化為帶有情感重量的象徵——既純粹又充滿嚮往、奮不顧身又傷感。
｜電影名稱的誕生：從「Resurrection」到《狂野時代》
電影的中英文名稱也具有相當程度的深意。其往往是對作品最關鍵、也最困難的概括。有時甚至比故事簡介更能精準指向作品的核心。他透露，這部電影在一開始就已經確定取名為「復活」（Resurrection），無論在中文或英文思考中，這個詞都代表著作品的重要意義。不過由於種種原因，中文片名必須重新調整，因此才誕生了《狂野時代》這個名稱。
導演也提到，在他的創作中，中英文片名之間往往存在著某種互動。如果說「復活」更像是一種垂直的探索——生命在極限與死亡的邊緣——那麼「狂野時代」則是將這樣的概念延展到更廣闊的時間維度。
真正關鍵的其實並不是「如何復活」，而是「為何死亡」。在他看來，角色的死亡，往往與當下的關係、情境以及時代本身的矛盾緊密相連。這些死亡並非單純的情節安排，而是一種生命穿越幻象的本能。每一次死亡之後，那些關於人的精神與生命中最美好的部分，最終都會被重新帶回給觀眾。
也有觀眾觀察到電影中融入了佛教中「眼耳鼻舌身意」的概念，導演解釋，電影不僅呈現不同時代的樣貌，也包含佛教對世界的理解方式。這些觀點將人的知覺進行拆解，使「迷魂者」這個角色同時也象徵觀眾自身。透過將知覺、故事、時代與電影美學交織在一起，觀眾在看似碎片化的敘事中，最終能在結尾感受到一種「經歷一個世紀後再次重生於影院」的整體體驗。
｜ 夢境作為電影敘事的起點
有觀眾分享，自己在多次觀影後，對片中「迷魂者」與「做夢」的設定特別好奇，因此想了解導演最初是如何構思這樣的敘事框架。導演表示，「迷魂者」這個名稱其實是在拍攝前期才逐漸確定，但角色的概念很早就存在。他希望創造一個沉溺於夢境的「怪物」，一個在夢與歷史之間遊走的存在。
導演從小經常經歷夢魘，在夢中意識清醒卻無法醒來。那種既真實又陌生的感覺，讓人同時感到恐懼與困惑。久而久之，他開始在夢境中嘗試「書寫」，讓自己逐漸適應這種狀態。對他而言，夢境像是一個被重新組合的世界，在其中遊走、探索，也成為理解世界的一種方式。用「幻覺」去理解世界，看似反直覺，實則讓人更勇敢。
｜ 為何選擇電影作為創作媒介？
在眾多藝術形式之中，為何會選擇電影作為主要的創作媒介呢？導演表示：電影在他看來是一種「比較笨」的藝術形式。與許多當代媒介相比，電影並不會把所有訊息直接呈現出來，而是透過一顆顆鏡頭組合呈現，留下一大片空間讓觀眾去想像與拼湊。他認為，電影的魅力在於它能夠調動觀眾的想像力，讓每個人在觀看時都參與到創作之中。
｜ 真誠，是創作最重要的基礎
「只有當創作者真正理解這些情感時，各種藝術手段與技巧才會發揮作用。」另一位觀眾則分享，自己也在嘗試創作，但常常困惑於一個問題：創作者要如何判斷自己創作的內容能夠與他人產生共鳴。
導演認為，關鍵並不在於創作技巧，而在於是否真正理解「普世情感」。無論文化背景或生活環境如何不同，人與人之間仍然共享一些基本的情感經驗，例如親情、友情、失去、遺憾與思念。他進一步說明，創作真正的核心在於對人際關係的理解，而非技巧本身。例如在書寫故事時，如果描寫的是一段即將消逝的友情，創作者或許不會安排兩個角色順利見面，而是讓他們在最後一刻錯過彼此。這種「錯過」往往更能體現人與人之間的遺憾與情感，也更容易喚起觀眾的共鳴。
在導演看來，電影的形式可以非常多樣，但所有創作最終仍然回到一件事——如何真誠地呈現人與人之間的關係。
